“Vite da strada” al Teatro Belli: tra Verga e Pasolini l’estetica della marginalità e un epilogo irrisolto
C’è un’evidente ascendenza letteraria in Vite da strada, in scena al Teatro Belli di Roma dal 5 all’8 novembre 2026. Nel duplice ruolo di drammaturgo e regista, Tommaso Agnese governa la materia narrativa con lucido disincanto, sottraendo l’opera a ogni facile pietismo per costruire un testo che dialoga sottotraccia con il determinismo del ciclo dei vinti di Giovanni Verga e con le logiche di sopravvivenza di “Ragazzi di vita” di Pier Paolo Pasolini.
Come nell’opera pasoliniana, i personaggi si muovono in un ecosistema in cui l’innocenza è preclusa; tuttavia, se nell’universo verghiano il dramma ruota attorno all’accumulo materiale della “roba”, nel claustrofobico night club tratteggiato da Agnese l’unica moneta di scambio disponibile diventa il corpo. In Vite da strada, l’estetica della marginalità supera infatti la pura dimensione verbale per farsi immagine e codice drammaturgico. Un’impostazione evidente già nella scelta dello spazio scenico: il MonaLiza, il cui nome storpia amaramente il capolavoro di Leonardo da Vinci per declassare l’ideale di bellezza rinascimentale a insegna di un logoro mercato umano.
Nel microcosmo asfissiante del night club MonaLiza si incrociano le traiettorie di tre esistenze precarie. La spogliarellista Crisalide (Manuela Zero) persegue faticosamente una via di riscatto attraverso l’urgenza di cantare ed essere ascoltata; il giovane Gaetano (Francesco Della Torre) insegue l’illusione di un rapido successo nel mondo del cinema; Alfredo (Moisé Curia) appare invece già annientato dal peso dei debiti e soprattutto delle dipendenze. A gestire i fili di queste vite al margine è il cinico titolare (Paolo Maras), figura che incarna un sistema relazionale in cui l’unica moneta di scambio diventa il corpo mercificato.
La tenuta del dramma si affida interamente a una prova attoriale di grande vigore all’interno di una scena volutamente scarnificata, capace di restituire la durezza di un ecosistema in cui l’innocenza è preclusa.
In stretta aderenza con l’estetica della marginalità del testo, le scelte sartoriali di Silvana Turchi traducono visivamente le gerarchie del locale: la nuda mercificazione dei corpi nei costumi di scena senza veli di Crisalide e Gaetano fa da contraltare all’aspetto trasandato di Alfredo e all’abbigliamento criminale dell’impresario.
La sostanziale divergenza dai modelli letterari emerge nella reazione alla marginalità. I vinti di Verga, schiacciati dall’inesorabile “ideale dell’ostrica”, scivolano storicamente verso una passiva rassegnazione qualora tentino di elevare il proprio status. Gli emarginati di Agnese, al contrario, rifiutano la capitolazione e tentano un estremo e disperato strappo alle regole dettate dal loro sfruttatore.
C’è quindi un momento finale di “distacco”, ambientato sul litorale di Ostia, che non scioglie il nodo drammaturgico, ma lo congela nel suo istante più crudo e poetico, senza tracciare alcuna chiara via d’uscita. Quest’ultimo quadro solleva negli spettatori un ineludibile interrogativo: per i personaggi sconfitti di Agnese c’è un futuro?
Danila Borgogna
